Se Hollywood fizesse um filme sobre Hollywood, esse ano seria o momento de crise em que a heroína ferida se pergunta se ela é mesmo capaz de salvar o dia. A bilheteria de 2017 foi a pior em mais de dez anos, e as acusações de assédio sexual a Harvey Weinstein são apenas a mais nova vergonha de uma indústria que ainda tenta lidar com o modo como trata as mulheres. Mas os motivos para Hollywood alcançar esse ponto baixo estão envoltos em erros e mitos.
Mito Nº 1: Hollywood sempre foi um clube do bolinha
No ano passado, um estudo da Universidade do Sul da Califórnia sobre diversidade no entretenimento concluiu que “a indústria cinematográfica funciona como um clube do bolinha hétero e branco”. Mulheres dirigiram apenas quatro dos 100 maiores sucessos de bilheteria do ano passado – apesar do número sombrio não ter desencorajado as mulheres aspirantes a cineastas, que correspondem a metade dos estudantes da School of Cinematic Arts da USC.
Há um século, mulheres ambiciosas tinham mais motivos para ser otimistas em relação a uma carreira cinematográfica. Em 1916, a diretora mais bem paga em Hollywood era uma mulher: a ativista política Lois Weber filmou dezoito películas naquele ano, incluindo o emocionante filme a favor de métodos contraceptivos “Where Are My Children?”. Durante o começo da era do cinema mudo, elas roteirizaram a maioria dos filmes. (Frances Marion, duas vezes ganhadora do Oscar, escreveu impressionantes 325 filmes.) Os trabalhos em departamentos de edição eram “ocupados quase totalmente por mulheres”, de acordo com um artigo de 1926 no Los Angeles Times. E a primeira onda de celebridades mulheres investiu o seu sucesso em criar empresas de produção, muitas vezes comandando seus próprios filmes sem receber crédito.
Quando Mary Pickford, Douglas Fairbanks, D.W. Griffith e Charlie Chaplin prepararam os documentos em 1919 para formar a United Artists, Chaplin ficou impressionado que a atriz e magnata de 26 anos de idade “entendeu todos os artigos da incorporação, a discrepância legal na Página 7, Parágrafo A, Artigo 27, e apontou friamente a sobreposição e contradição no Parágrafo D, Artigo 24”. Como a agente e roteirista Beatrice deMille, mãe de Cecil B. deMille, disse em 1912, “Essa é a era das mulheres”.
Isso não perdurou. Quando os filmes fizeram a transição para o áudio, os maiores estúdios aderiram a uma estrutura dominada por homens que cortaram os empregos das mulheres em todos os setores. “As mulheres que entram na indústria agora a encontram praticamente fechada”, disse Weber em 1928 – palavras que vem ecoando há noventa anos.
Mito Nº 2: O sistema de estúdios é péssimo para atores
Por quarenta anos, o primeiro objetivo de um ator de Hollywood era conseguir um contrato com um estúdio – o segundo era sair desse contrato. A série “Feud”, de Ryan Murphy, reacende a tensão entre Bette Davis e Jack Warner, que nunca a perdoou por criticar o seu “sistema de contrato de escravidão”. Chefes de estúdios eram paternalistas e punitivos. Louis B. Mayer levou a adolescente Judy Garland ao vício em cigarros e pílulas de emagrecimento. Rita Hayworth chamou Harry Cohn, da Columbia, de “monstro”. Seu ex-marido Orson Welles concordou, ressaltando que ele gostava de Cohn mesmo assim, “apesar do fato de que ele colocou escutas no meu escritório”. Como Kim Novak contou para o seu biógrafo: “Você não é mais uma pessoa. Você é uma propriedade.”
Como é compreensível, atores se revoltaram contra esse sistema que controlava as suas vidas, mas quando os contratos de estúdios se tornaram raros no começo dos anos 60, muitos perceberam que as suas carreiras sofriam sem aquele direcionamento. As alternativas, ainda hoje, podem ser piores.
Sem uma orientação estável e um salário fixo, Davis – em “Feud” e na vida real – batalhou por papéis inferiores e posições secundárias no teatro que ela um dia havia recusado. Novak também percebeu que “os filmes que eles estavam oferecendo não eram muito bons” e se mudou para Big Sur, na Califórnia, para se dedicar à pintura. A geração seguinte foi deixada por contra própria. Conforme os investimentos e a seguridade dos estúdios em pessoal evaporaram, atores mais jovens levaram o seu talento para a televisão. Os lucros de bilheterias despencaram. Hollywood passou a década de 1960 em queda financeira.
Eventualmente, Hollywood se reinventou em conglomerados corporativos que favorecem grandes estreias em vez de clássicos. Poucos atores foram capazes de se transformar em ícones. Nem mesmo Dwayne “The Rock” Johnson, o ator mais bem pago do mundo, conseguiu provar que pode sustentar um filme de sucesso que não seja uma franquia já bem estabelecida. (Vide: “Baywatch”, “Hercules”.)
Mito Nº 3: Hollywood já foi mais original
Os dez maiores sucessos de 2017 soam exaustivamente familiares. Há quatro continuações (“Guardiões da Galáxia Vol. 2”, “Meu Malvado Favorito 2”, “Velozes e Furiosos 8: O destino dos furiosos”, “Logan”), três spinoffs de franquias (“Mulher-Maravilha”, “Homem-Aranha: De volta ao Lar”, LEGO Batman: O Filme”), uma refilmagem de uma minissérie de TV baseada em um livro (“It”) e uma releitura live-action de um desenho animado (“A Bela e a Fera”). O filme de guerra “Dunkirk” completa a lista. “Hollywood está em uma queda criativa”, declarou o analista de bilheteria Jeff Bock, falando por uma grande parcela de críticos que já tocaram nesse ponto.
Mas Hollywood sempre foi obcecada por marcas já estabelecidas. O tecnicamente inovador D.W. Griffith nem foi o primeiro diretor a adaptar “The Clansman”, o livro que foi reorganizado no filme “O Nascimento de uma Nação”. Em 1915, “Alice no País das Maravilhas” havia sido regravado três vezes. “O Mágico de Oz”, de L. Frank Baum, inspirou sete filmes antes do clássico de Judy Garland. Os fãs de Tarzan receberam 41 filmes de selva em 52 anos, um ritmo superado por Rin Tin Tin, que gravou 28 filmes em menos de uma década. (Depois da sua morte, seu filho Rin Tin Tin Jr estrelou outros 14 filmes.) Acha que sete filmes de super-herói em 2017 são um exagero? Imagine viver em 1957, quando os estúdios lançaram o número assombroso de 61 filmes de faroeste.
Um dia, essa onda aparentemente eterna de super-heróis vai diminuir, assim como aconteceu com os épicos de batalhas, os filmes despretensiosos de festas na praia, filmes de desastres e suspenses de ataques animais.
Mito Nº 4: Grandes sucessos são lucrativos
Este ano, “Homem-Aranha: De volta ao Lar” teve uma receita de US% 333,1 milhões nos EUA, com um orçamento de US$ 175 milhões. “É uma grande vitória para a Sony na nossa segunda maior estreia de todos os tempos”, disse o chefe de distribuição do estúdio. A revista Variety aclamou como “uma superação de bilheteria”.
Mas a verdade é que um filme precisa arrecadar pelo menos o dobro do seu orçamento de produção apenas para não ter prejuízo. Campanhas de marketing somaram US$ 140 milhões aos custos de “Homem-Aranha”, graças aos comerciais de TV. Além disso, os cinemas nos EUA ficam com cerca de 40% da arrecadação. “Homem-Aranha” arrecadou US$ 546 mundialmente, mas os estúdios americanos ficam com uma porcentagem ainda menor desse dinheiro.
A indústria cinematográfica chinesa, supostamente a salvadora dos nossos blockbusters caros que não atingem muito sucesso, fica com 75% do dinheiro. Esses obstáculos, além de contabilidade criativa, são o motivo para “Harry Potter e a Ordem da Fênix” ser capaz de vender quase US$ 1 bilhão em ingressos e ainda poder declarar que teve US$ 167 milhões em prejuízo.
Mito Nº 5: Rotten Tomatoes está acabando com Hollywood
Martin Scorsese declarou que o site agregador de críticas de cinema era “hostil para cineastas sérios”, e acrescentou que “até mesmo o nome Rotten Tomatoes é ofensivo”. O diretor de “Hercules”, Brett Ratner, culpou o site pela “destruição dos nossos negócios”. Quando “Baywatch” fracassou depois de receber uma pontuação triste de 19% no site, The Rock partiu para o ataque, postando no Twitter: “Críticos já tinham o seu veneno & armas prontos. Os fãs AMAM o filme.”
O Rotten Tomatoes existe desde 1998, mas se transformou no vilão da vez porque o site de venda de ingressos Fandango o comprou em 2016 e começou a postar as pontuações de filmes na mesma página em que as pessoas podem comprar os ingressos. Clique na página para conseguir um par de ingressos para o remake de “Flatliners” e veja a sua pontuação de 4%. O público em potencial gastaria o seu dinheiro com esses ingressos? (Eles não gastaram.)
Ainda assim, o Fandango está no mercado para vender ingressos. Esse ano, as pontuações altas no Rotten Tomatoes transformaram queridinhos com orçamento de US$ 5 milhões, como o filme de horror ousado e confrontador de Jordan Peele, “Corra” (99%), e a comédia romântica birracial ambientada em um hospital de Kumail Nanjiani, “The Big Sick” (98%), em sucessos de bilheteria. Deixemos de lado sucessos à prova de críticas – esses são protegidos da ação dos críticos. Em vez de destruir Hollywood, o Rotten Tomatoes poderia incitá-la a fazer blockbusters melhores e assumir mais riscos em filmes originais de baixo orçamento, como os de Peele e Nanjiani.
O que as oposições ao Rotten Tomatoes realmente significam, segundo o crítico do New York Times, A.O. Scott, falou ao The Ringer, é: “Nós estamos estupefatos ao ver que as pessoas não são tão burras quanto pensamos que seriam.”
---
*Amy Nicholson é autora do livro “Tom Cruise: Anatomy of an Actor” e apresentador do podcast de crítica de cinema “The Canon”.
Como um site tosco de crÃticas está mudando o cinema https://t.co/QHGk8mxT72 pic.twitter.com/Pe1MAwIfTO
â Ideias (@ideias_gp) September 23, 2017
Deixe sua opinião